Category: искусство

Category was added automatically. Read all entries about "искусство".

Как "Ecce Homo" ("Се человек") превратился в "Ecce Mono" (Се обезьянка).

Ещё с 2012 года у меня в закладках хранится интересная информация о реставрации фрески с изображением Иисуса Христа в церкви небольшого испанского города Борха. Фреску на церковной колонне создал на рубеже 19-20-х веков художник Элиас Гарсиа Мартинес (1858-1934) и назвал её "Ecce Homo" ("Се человек").

Бюджет церкви был невелик, и помещение нуждалось в ремонте. Фреска от сырости пришла в негодность, и жительница Борхи, 80-летняя пенсионерка Сесилия Хименес, решила её "подправить".
Она взяла краски, кисточку и начала фреску обновлять. Говорят, что старушка трудилась над реставрацией два года (с 2010 по 2012).

Она утверждала, что обратилась за разрешением к священнику, и тот дал согласие на реставрацию: "Конечно, все знали о том, что я делала. Когда люди приходили в церковь, они видели, что я рисую. Настоятель знал. Как я могла делать такие вещи без разрешения?".
С другой стороны представители церкви позже заявили, что ничего не знали о деятельности доморощенной художницы.

Так почему о реставрации фрески заговорили?
Потому что после завершения работы прежнее изображение Иисуса Христа стало неузнаваемым. Вместо благородного лица Спасителя на фреске появилось изображение, напоминающее детский рисунок то ли обезьянки, то ли картофелины с глазами.
[Spoiler (click to open)]
В испанском издании Heraldo напечатали заметку об этом "чуде" с приложением фотографии фрески до "реставрации" и после. Заметка вызвала огромный интерес у читателей, и разделила общество пополам – одни выступали с негодующей критикой, другим новое изображение Спасителя понравилось. Старушку Хименес даже провозгласили продолжательницей творчества Мунка и Модильяни.

Сесилия удивлялась: "Не понимаю, почему все говорят обо мне, ведь я всего-навсего хотела спасти церковную фреску от сырости!"


Фреска до и после.


Тереса Мартинес, внучка художника Гарсиа Мартинеса, выделила деньги для определения состояния фрески и составления плана её восстановления. Приехавшая в Борху группа экспертов обнаружила вместо лика Иисуса Христа изображение (как написали сотрудники BBC News), "наброска очень волосатой обезьяны в мешковатой тунике". Лишь туника напоминала о первоначально облике фрески "Ecce Homo", которую умники из социальных сетей окрестили, как "Ecce Mono" ("Се обезьянка").

Разразился скандал, но церковь в Борхе пообещала, что пушистый Иисус исчезнет, а фреску отреставрируют силами профессионалов.

Творение Сесилии Хименес за несколько часов стало одним из самых популярных интернет-мемов, посмотреть которые можно, например, здесь

Интересно то, что многим "пушистый Иисус" понравился, и они призывают признать его самостоятельным произведением искусства.

Служители церкви в Борху уже поняли пользу от обновлённой фрески, ведь посмотреть на неё съезжаются массы туристов и приносят церкви значительный доход. Сама церковь не возражает против "пушистого Иисуса", ведь канонических изображений Христа много, а такой - только один.


Туристы перед обновлённой фреской.


Летом 2012 года фреску отгородили, и церковные служащие стали проводить к ней экскурсии. За первые четыре дня экскурсий в казну церкви поступило две тысячи евро, а за год в сонном городишке Борха с населением в 5 тыс. человек побывало 57 тысяч туристов. Они с энтузиазмом опускали пожертвования в подготовленный сундучок, и за год набралось около 50 тысяч евро. Эти деньги были использованы для найма дополнительного штата церковных служителей и для финансирования дома престарелых, к котором, кстати, проживает сама Сесилия Хименес.

По данным New York Post к 2016 году число туристов, посещающих город, составило 160 тысяч человек.


Художница стиля примитивизма Сесилия Хименес

Князь Голицын на портрете Рослина.

Александр Рослин (1718-1793) – наиболее известный шведский художник-портретист, работал в Мальмё, в Стокгольме, Париже, Варшаве и Санкт-Петербурге. Его работы отличаются сходством с оригиналом и яркой выразительностью. Специалисты говорили, что в портретах Рослина
"сочетались эффектность и яркость характеристики с виртуозным мастерством, трепетность фактуры с изысканностью цветовых сочетаний".

Лучше о мастерстве художника не скажешь! Одним из таких изысканных, виртуозных работ является великолепный портрет князя В.Б. Голицына. Любуюсь им! Портрет настолько хорош, что хочется его долго разглядывать просто как произведение искусства, не объединяя с объектом изображения. Но однажды мне захотелось узнать о человеке, чьё лицо на портрете я часто разглядываю.

рослин а. Князь Владимир Голицын.jpg
Александр Рослин. Портрет князя В.Б.Голицына. 1762. Холст, масло. 60,5 х 50.
Художественный музей в Мальмё (Швеция).

[О Голицыне]
Владимир Борисович Голицын (1731-1798) – потомок многочисленного княжеского рода Голицыных. Он был представителем московской линии Голицыных. Родился в Москве в 1731 году, был одним из четверых сыновей адмирала князя Бориса Васильевича Голицына, женатого на Софье Ивановне, в девичестве Стрешневой, внучке воспитателя Петра I боярина Т.Н. Стрешнева.

В 1754 году императрица Елизавета Петровна направила 23-х летнего унтер-офицера Семёновского полка Владимира Голицына (и его брата Василия) в качестве переводчиков «к министрам, при чужестранных дворах обретающимся». Так что Голицын с молодости считался русским дипломатом и переводчиком.

О братьях Владимира Голицына известно гораздо больше, чем о нём самом, так что его биографические данные очень скудные.

На портрете Владимиру Голицыну 31 год. По отзывам современников, он был "очень простоватый, слабохарактерный человек", но с большим состоянием. Управлять обширным хозяйством не умел, и поэтому доход с него был небольшим.

В 35 лет Голицын женился на графине Наталье Петровне Чернышёвой (той, что стала прототипом графини в "Пиковой даме" Пушкина). Наталья Петровна была женщиной деловой, решительной и властной и быстро привела хозяйство мужа в порядок и даже приумножила. Через год после свадьбы у Голицыных родился первенец Пётр (умер в 11 лет).

Владимир Голицын был красавцем (это видно по портрету), но не знаю, за что полюбила его Наталья Петровна – за красоту, богатство или знатность рода. Скорее всего – за всё вместе, но больше, конечно, за знатное происхождение. Историк И. М. Снегирёв писал о Наталье Петровне:
…Она все фамилии бранит и выше Голицыных никого не ставит, и когда она перед внучкой своей 6-летней хвалила Иисуса Христа, то девочка спросила: "Не из фамилии ли Голицыных Иисус Христос?".

Интернет сообщает, что Владимир Борисович участвовал в русско-турецкой войне 1768—1774 гг. и вышел в отставку в чине бригадира. Думаю, что высокий военный чин он получил, скорее всего за принадлежность к знатному роду и "за красивые глаза", потому что ни о каких его военных подвигах и вообще об участии в военных деяниях неизвестно.

Но в промежутке "между боями" шустрый Владимир Борисович, похоже, успевал съездить к жене для исполнения супружеских обязанностей, в результате которых родились трое детей: Борис (1769), Екатерина (1770) и Дмитрий (1771). А после окончания русско-турецкой компании у Голицыных родилась дочка Софья (1775).

В 1783 году Голицыны уехали во Францию «для «образования детей и здоровья мужа», сыновей отдали на воспитание в парижскую военную школу.
В 1789 году Голицыны уехали в Лондон, но в 1790 году вернулись в Париж в свой дом на улице Сен-Флорантен. В это время Екатерина, встревоженная вестями о французской революции, объявила всем русским за границей «о скорейшем возвращении в отечество». Отправив сыновей в Рим, Голицыны вернулись в Петербург и стали жить на Малой Морской в доме № 10.

В 1772 году четверо братьев Голицыных поделили отцовское наследство. Алексею Борисовичу досталось подмосковное имение Узкое (ныне — улица Профсоюзная, 123а, 123б).

К брату в Узкое часто приезжал Владимир с женой Натальей.
«В Москве я остановилась на 4 дня, — писала Наталья Петровна, — дабы починить экипажи, за это время я побывала с визитами в некоторых домах и повидалась с родственниками: потому что свой дом мы сдавали, то остановилась я у моей невестки графини [А.Б.] Апраксиной, а на пути из Москвы я заехала в имение брата мужа князя Алексея, которое называлось Уское и располагалось в 17 верстах от города».

Больше ничего о В.Б. Голицыне неизвестно. На могиле одного из Голицыных, жившего в 18 веке, была написана эпитафия со словами: «Благополучие человека состоит ни в жизни, ни в смерти, но в том, чтобы жить и умереть со славою».

Владимир Борисович был человеком в отличие от отца, братьев, сыновей и, пожалуй, супруги, ничем не примечательным ни в гражданских, ни в военных, ни в государственных делах.

Говорят, когда Наталья Петровна в Париже в пух и прах проигралась в карты и попросила у мужа денег, чтобы погасить долг, Голицын ей решительно отказал, во что я не верю, так как он был человеком мягким и отказать властной супруге не посмел бы. Но этот эпизод был искусно обыгран Пушкиным в «Пиковой даме» как основная завязка последующей драмы.

Умер князь Владимир Борисович Голицын 25 декабря 1798 года. Был погребён в Михайловской церкви Донского монастыря.
А Наталья Петровна прожила после него ещё 39 лет в богатстве, почитании и большой известности. Умерла в Петербурге 20 декабря 1837 года. Её тело перевезли в Москву и похоронили в той же усыпальнице Голицыных на Донском кладбище.

Портрет Голицына работы Рослина считается шедевром портретной живописи. Есть портреты Голицына в старости, но эти портреты маловыразительны. На них он совсем не красавец, да и рисовал их не Рослин.

Рубенс. Портрет с супругой Изабеллой Брант.

Питер Пауль Рубенс, как известно, был женат дважды. Первая жена Изабелла Брант (1591-1626) была моложе его на 14 лет. Они поженились в 1609 году, когда Рубенсу было 32, а Изабелле 18.
К свадьбе Рубенс написал картину-портрет "В жимолостной беседке", где изобразил себя и Изабеллу. Акцентирую внимание на словах "к свадьбе", это означает, что картина стала свадебным подарком, то есть Питер Пауль и Изабелла ещё не были женаты.

Картина "В жимолостной беседке" - великолепна. Красивые, молодые и нарядно одетые жених и невеста приветливо смотрят с полотна на зрителей. Представляю, с каким удовольствием смотрели бы на себя молодых Изабелла и Питер Пауль, доживи они вместе до старости, но в 1626 году Изабелла безвременно умерла от чумы.

Через 4 года Питер Пауль Рубенс (53-х лет) снова женился на красавице Елене Фоурмен 16-ти лет от роду. Хотя тема о женитьбах Рубенса и его жёнах очень интересная, но я сейчас заостряю своё внимание на портрете "В жимолостной беседке".


Рубенс П.П. "В жимолостной беседке". 1609, холст, масло, 178 × 136,5 см. Старая пинакотека, Мюнхен


Эта картину я всегда разглядываю с удовольствием и с удивлением. С удовольствием - потому что эта картина мне очень нравится, а с удивлением - потому что в ней есть для меня загадка.

Она в том, что изображая себя и Изабеллу на одном холсте, Рубенс отступил от распространённого в живописи того времени правила: совместное изображение мужчины и женщины создавалось в двух случаях - 1. обручение/помолвка, 2. брак.

Смотрю на картину и размышляю: о чём хотел поведать художник: о помолвке или о браке?
Замужняя женщина на двойном портрете в те времена изображалась справа от мужчины с лицом, повёрнутом влево (то есть в сторону мужчины). Если женщина изображалась от мужчины слева, то это - невеста.

Если смотреть на расположение фигур на картине не со стороны зрителя, а реально, то Изабелла сидит по левую руку Рубенса, то есть как невеста, но в таком случае она должна смотреть вправо, а она смотрит влево (от мужчины), то есть как жена. Почему?

Размышляю: может, Рубенс в порыве романтических чувств ошибся и нарушил правило случайно? Но ведь не ошибся же он, когда романтично изобразил руку Изабеллы на своей руке (любовь!)? А если он сознательно нарушил правило, то что хотел этим сказать?

И тут в голову приходит объяснение, понятное для отношений мужчины и женщины в наше время, свободное от правил и предрассудков. Я имею в виду, что Питер Пауль и Изабелла, похоже, уже до свадьбы имели супружеские отношения. То есть и правило не нарушил и правду сказал!

А что, всё может быть с любвеобильным Рубенсом! Любил, желал и не устоял! Ведь Рубенс основоположник барокко, стиля, в котором существуют радостное мироощущение, экспрессия, концентрации эмоций и творческий подъём! Творец такого стиля вполне мог нарушить любое классическое правило!

19 мая 1536 года. Казнь Анны Болейн.

Современники считали Анну Болейн некрасивой, но на рисунке гениального художника Ганса Гольбейна Младшего она выглядит привлекательной: овал лица, нежные губы, умный взгляд ...
Рисунок создан в 1532 году, а в следующем (1533) Анна станет женой Генриха VIII.

Очень выразительны изображены глаза Анны, они притягивают внимание, беспокоят и вызывают ощущение нарастающей тревоги. Жестокая гибель Анны Болейн произойдёт только через четыре года, но художник, рисуя портрет, словно предчувствует будущую трагедию ...

Анна Болейн.jpg
Ганс Гольбейн Младший. Портрет Анны Болейн. 1532. Цветные мелки, тушь, бумага, наклеенная на дерево.


Между Генрихом VIII и Анной Болейн была любовь. Генрих писал Анне нежные письма, признавался в чувствах: "Мое сердце будет вечно принадлежать вам одной, охваченное этим желанием так сильно, что сумеет подчинить ему и желания своего тела".

Любви Генриха к Анне Болейн хватило только на три года. Он охладел к ней и увлёкся Джейн Сеймур. Чтобы освободить дорогу новой королеве, Анну обвинили в государственной измене и в супружеской неверности. Она была приговорена к смертной казни.

Перед казнью Анна была спокойна. Она ещё раз поклялась, что никогда не изменяла супругу, и сказала речь, в которой были такие слова: "Я не обвиняю никого. Когда я умру, помните, я чтила нашего короля, доброго и милостивого ко мне. Вы будете счастливы, если господь даст ему долгую жизнь, так как он одарён многими хорошими качествами: страхом перед богом, любовью к своему народу и другими добродетелями, о которых я не буду упоминать".

Казнь свершилась быстро - палач-мечник отсёк бывшей королеве голову одним ударом меча. Генрих, нетерпеливо ожидавший конца мероприятия, повеселел и закричал: "Дело сделано. Спускайте собак, будем веселиться".
В тот же день он женился на Джейн Сеймур.
Как говорил Пушкин: о, времена, о, нравы!

После казни Анны Болейн все её портреты были уничтожены, как и всё, что о ней напоминало. До нашего времени сохранился один портрет (неизв. художника), ставший официальным изображением, и рисунок Ганса Гольбейна Мл. (выше).

О загадочной Моне Лизе.

Полное название знаменитой картины Леонардо да Винчи - "Портрет госпожи Лизы дель Джокондо Мона Лиза", но в народе она зовётся короче – "Мона Лиза" или "Джоконда". Мона (или монна) – это сокращённый вариант итальянского выражения ma donna (моя госпожа). Джоконда - фамилия мужа Лизы del Giocondo.

Предполагалось, что Леонардо написал портрет знатной неаполитанки Лизы Герардини (полное имя Лиза ди Антонио Мариа ди Нольдо Герардини), третьей супруги тридцатипятилетнего флорентийского торговца шёлком Франческо дель Джокондо.

Лиза вышла замуж в 16 лет, но её портрет Леонардо начал создавать, когда ей было 25. Как художник, Леонардо отказывался от многих заказов, но за портрет Лизы взялся с большим удовольствием.

Об этом свидетельствовал в 1550 году биограф итальянских художников Джорджо Вазари (1511—1574), который написал: "Взялся Леонардо выполнить для Франческо дель Джокондо портрет моны Лизы, жены его, и, потрудившись над ним четыре года, оставил его недовершенным. Это произведение находится ныне у французского короля в Фонтенбло".

По утверждению Вазари, Леонардо многие свои работы оставлял незавершёнными, поэтому точная дата создания шедевра известна приблизительно. Начата картина в 1503 году, а закончена в 1519, когда художник, уже плохо владеющий правой рукой, нанёс на изображение последний мазок.

леонардо рисует джоконду.jpg
Чезаре Маккари. "Мона Лиза, позирующая Леонардо да Винчи", 1863.


Также Вазари сообщал, что в процессе работы над портретом, Леонардо да Винчи приглашал в студию артистов, которые "играли на лире или пели, и тут постоянно были шуты, поддерживавшие в ней веселость и удалявшие меланхолию, которую обычно сообщает живопись выполняемым портретам".
[Далее о картине]
Необычность "Моны Лизы" в том, что при создании портрета Леонардо использовал придуманный им приём сфумато (sfumato — размытый, затушеванный, буквально — "исчезающий как дым"), с помощью которого он смягчал очертания фигур и предметов, что позволяло передать на картинах окутывающий их воздух.
Именно сфумато придал взгляду Джоконды влажность, рукам ощущение мягкости прикосновения, а улыбке чарующую лёгкость.

Об улыбке.
Ранее Джорджо Вазари упоминал об улыбке Джоконды:
"У Леонардо же в этом произведении улыбка дана столь приятной, что кажется, будто бы созерцаешь скорее божественное, нежели человеческое существо; самый же портрет почитается произведением необычайным, ибо и сама жизнь не могла бы быть иной".

Но писатель-романтик Теофиль Готье стал первым, кто обратил внимание общественности на улыбку Моны Лизы. В 1855 году он увидел картину и залюбовался ею. До Готье никто не обращал внимания на губы Моны Лизы и не видел в них никакой тайны. Именно Теофиль Готье назвал губы Лизы загадочной улыбкой и восторженно о них отозвался:

"Джоконда! Это слово немедленно вызывает в памяти сфинкса красоты, который так загадочно улыбается с картины Леонардо… Опасно попасть под обаяние этого призрака… Её улыбка обещает неизвестные наслаждения, она так божественно иронична… Если бы Дон Жуан встретил Джоконду, он бы узнал в ней все три тысячи женщин из своего списка…"

С тех пор улыбка Джоконды считается главным достоинством портрета, а другие атрибуты лица, например, отсутствие бровей и высоко выбритый лоб просто не замечаются.

В 1517 году флорентийский художник Леонардо да Винчи принял приглашение короля Франциска I занять пост придворного архитектора и инженера и приехал во Францию, взяв с собой несколько избранных картин, в их числе "Мону Лизу". Нет никаких объяснений, почему художник не отдал портрет заказчику, а оставил его себе и даже увёз в Париж.

В 1519 году да Винчи умер и был похоронен в часовне своего дома в Кло-Люсе, неподалёку от королевского замка Амбуаз.


Франциск у смертного ложа Леонардо да Винчи. Илл. из Интернето.


Картина по наследству перешла к близкому ученику да Винчи художнику Салаи (Джан Джакомо Капротти да Орено), а тот завещал её своим сёстрам в Милане. Но картина не попала в Милан, потому что Франциск успел выкупить её за приличную сумму (4 000 экю) и поместить в своём замке Фонтенбло.

Там она оставалась до Людовика XIV, который перевёз её в Версальский дворец. В 1793 году Мона Лиза" оказалась в коллекции французских монархов в Лувре, но до этого она некоторое время была украшением спальни Наполеона во дворце Тюильри.

В Лувре "Мона Лиза" поселилась надолго, но было время, когда она картина покидала своё музейное место, правда, не по своей воле.
21 августа 1911 года "Мона Лиза" исчезла из Лувра. Наутро газеты заявили о пропаже жемчужины французской живописной коллекции, как о национальной катастрофе.


Вместо картины на стене лишь 4 крюка. 1911 г.
Фото из Интернета.


Все кому не лень стали выдвигать версии одну другой фантастичней, даже кайзера Вильгельма II объявили организатором похищения, а немцы со своей стороны утверждали, что сами французы инициировали кражу, чтобы дать повод к осложнениям международных отношений между государствами.

Границы были закрыты, на дорогах выставлены посты, досматривался багаж пассажиров, проверялись сотни подозреваемых, в том числе пациенты психиатрических больниц, так как они тут же объявили себя возлюбленными Джоконды. Подвергались проверке все, кто так или иначе был причастен к миру искусства, даже молодой художник Пикассо был под подозрением в краже.

На стекле защитной коробки, окружающей картину, обнаружили отпечаток пальца, но даже гениальный криминалист Альфонс Бертильон не смог по нему установить преступника. Другие методы розыска также не имели успеха.
Картина официально была признана похищенной.


Леонардо да Винчи. "Портрет госпожи Лизы дель Джокондо". 1503—1519 гг., дерево (тополь, тройная пластина), масло. 76,8 × 53 см . Лувр, Париж. Вес нетто 8,5 кг.


В 1913 году, через 28 месяцев после исчезновения шедевра, к флорентийскому антиквару Альфреду Гери обратился неизвестный и предложил купить у него "Мону Лизу". Когда изумлённый Гери спросил, откуда у того пропавшая во Франции картина, неизвестный ответил, что эту картину похитил сам Наполеон, а он просто хочет вернуть Италии шедевр, написанный итальянским художником.

О невероятном предложении антиквар сообщил полиции, продавца арестовали. Им оказался итальянец Винченцо Перруджи, который в 1911 году работал в Париже маляром и был вхож в помещения Лувра.

Неизвестно, сколько времени Перруджи вынашивал план похищения и возврата на родину произведение итальянца Леонардо да Винчи, но его план легко осуществился, и картина из Лувра переместилась под кровать маляра в его комнатке на улочке Госпиталя Сен Луи.

В полиции грабитель подробно рассказал, как проник в зал, как снял картину и как вынес её из музея. Лёгкость, с которой Перруджи похитил картину, потрясла полицию и подорвала профессиональный авторитет Бертильона. Оказывается, когда полиция сбивалась с ног в происках пропажи, в картотеке Бертильона уже находился отпечаток пальца Перруджи, но криминалист не смог идентифицировать его со следом пальца на музейной витрине.

Торжественное возвращение "Моны Лизы" в Париж состоялось 4 января 1914 года, но по пути в Лувр она выставлялась в галерее Уффици (Флоренция) и в Риме.

После Второй Мировой войны картина почти не покидала Лувр. В 1963 году она "съездила" в США, а в 1974 году побывала в Японии. По пути из Японии во Францию "Мона Лиза" была выставлена в музее им. А.С. Пушкина в Москве.

В Лувре картина закрыта пуленепробиваемым и защищающим стеклом. Некоторые посетители по различным причинам относятся к портрету негативно и время от времени совершают на него покушения, например, в 1956 году один из посетителей облил картину кислотой, которая разъела нижнюю часть древесины. В том же году боливиец Уго Унгаза Вильегас бросил в неё камень и повредил красочный слой в районе руки Моны Лизы у локтя.


Защитное стекло с отражением посетителей.
Фото из Интернета.


Не смотря на защиту шедевра от злоумышленных посягательств, случаи вандализма всё же происходили. Известны две попытки нанести картине ущерб: в 1974 году посетитель пытался распылить на изображение краску, а в 2009 году некая дама, обидевшись за отказ предоставить ей французское гражданство, запулила в Мону Лизу глиняной чашкой.

Теперь для предотвращения возможных нападений на бесценную картину возле неё постоянно дежурят два охранника.

Пуленепробиваемое стекло оберегает картину не только от помешанных посетителей, но функционирует ещё как прозрачное покрытие короба, в который, как в саркофаг, помещена "Мона Лиза".

За полтысячи лет тополиная доска, на которой написан портрет, стала хрупкой, поэтому в музейном "саркофаге" поддерживается специальный микроклимат, защищающий шедевр от негативных воздействия окружающей среды.

Хотя Джорджо Вазари называл имя молодой женщины, позирующей да Винчи, но в связи с тем, что он в своём сочинении допустил некоторые неточности, долгое время в отношении имени существовали сомнения, эта неопределённость порождала множество разнообразных версий о том, чей именно портрет изобразил художник.

Лишь в 2005 году была поставлена утверждающая точка. Учёные из старейшего в Германии Гейдельбергского университета в процессе тщательного изучения фолианта 16 века, принадлежащего некоему чиновнику, близкому к кругу флорентийских художников, обнаружили на его полях рукописные заметки, в одной из которых сообщалось, что "сейчас да Винчи работает над тремя картинами, одна из которых — портрет Лизы Герардини".

Таким образом, сведения Вазари, что Мона Лиза действительно звалась Лизой Герардини и была женой флорентийского торговца Франческо дель Джокондо, нашли письменное подтверждение.
В тех же заметках учёные нашли информацию о том, что портрет Лизы был заказан художнику да Винчи для интерьера нового дома семьи Лизы и Франческо и в честь рождения их второго сына Андреа.

С 2005 года шедевр Леонардо да Винчи находится в 711-м зале Лувра, который называют "Залом Джоконды".

История автопортрета Ван Гога в соломенной шляпе.

В марте 1886 года Винсент Ван Гог приехал к брату Тео в Париж, где прожил до февраля 1887 года. Тео ввёл брата в парижский художественный мир. В этот период в картинах Винсента появилось много цвета, а в жизни много радости – он никогда ещё так плодотворно не работал. За парижский период Ван Гог создал 230 картин, более 30-ти портретов, среди которых немалое число занимали автопортреты.
Автопортреты отличались друг от друга техникой и манерой исполнения, одни из них имели законченный вид, а другие представляли собой этюды и живописные зарисовки. За только одно лето 1887 года Ван Гог написал несколько Автопортретов.

Об одном из "Автопортретов Ван Гога в соломенной шляпе" имеется невероятный рассказ.
[История портрета Ван Гога]
Однажды в картинную галерею парижского торговца картинами Амбруаза Воллара зашёл плохо одетый человек и предложил купить за тысячу франков настоящий портрет художника Ван Гога.

Воллар мельком взглянул на картину и сказал: "Это подделка! Оригинал висит у барона Ротшильда над камином". Расстроенный бродяга отшвырнул картину и выбежал из галереи. Позже Воллар узнал, что бедняга в отчаянии утопился в Сене.

Воллар вгляделся в картину, протёр её сначала влажной тряпкой, затем сырой картошкой и с изумлением увидел, что из-под грязи проступили уникальные мазки Ван Гога – это был оригинальный автопортрет художника в соломенной шляпе. Это у Ротшильда оказалась подделка.

Воллар вспомнил рассказ несостоявшегося продавца о том, как к нему попала картина. Он получил её от друга, который в молодые годы работал официантом в одном из баров, куда заходил Ваг Гог. Однажды они разговорились, и друг поведал художнику о своей мечте стать путешественником. Ваг Гог подарил ему свой небольшой автопортрет в надежде, как он сказал, что тоже совершит путешествия, пусть в виде портрета.

Портрет Ван Гога недолго пробыл у Воллара, он продал его богатому аргентинскому землевладельцу. На следующий день после того, как картина оказалась в доме нового хозяина, у того случилось несчастье: в лифте нашли четвертованное тело его дочери – это два её неудачливых поклонника выпустили наружу обуревавшие их страсти, типа, не доставайся ты никому!

Разбитый горем отец связал трагедию с появлением картины и быстренько продал её одному аргентинскому политику. На жизнь политика уже однажды покушались, но тот остался жив, после покупки картины произошло новое покушение, уже со смертельным исходом.

Картина нашла нового хозяина, крупного промышленного магната, но тот вскоре разорился. Внук промышленника решил продать портрет Ван Гога коллекционеру из Мадрида за 20 млн. песет, но того арестовали в связи с убийством председателя правительства Испании Кареро Бланко и предали суду, а имущество, в том числе коллекцию картин, конфисковали. Картина очутилась в Нью-Йорке, успев к тому времени обрасти мистической историей.

В 1975 году после смерти диктатора Франко коллекционер вышел на свободу. В музее Нью-Йорка он увидел свой "Автопортрет Ван Гога в соломенной шляпе" и загорелся желанием его вернуть. Ему рассказали историю картины и назвали цену, но коллекционера это не остановило, портрет опять стал его собственностью.

Чтобы картину не конфисковали в аэропорту Мадрид-Барахас, её упаковали в картон и спрятали внутри персидского ковра. Ковёр благополучно пережил перелёт и был доставлен в офис коллекционера. Вместе со своей секретаршей-возлюбленной коллекционер освободил ковёр от упаковки, выбросив её в коридор и совершенно забыв о спрятанном портрете Ван Гога.

В это время по коридору проходила уборщица. Увидев непорядок, она подобрала картонную коробку с картиной внутри, положила её в мусорный мешок и забросила в мусорезную, мусороуборочную машину, которая, покромсав картон, увезла мусор на свалку.

Спохватившийся коллекционер искал картину, но так и не нашёл. Похожий погибшую картину автопортрет Ван Гога в настоящий момент находится в США в городе Детройт в Институте Искусств.


Винсент Ван Гог. Автопортрет в соломенной шляпе. 1887 г.
Холст, масло. 34.9 x 26.7
Институт искусств, Детройт, США.

Винсент Ван Гог. Портрет доктора Рея.

"Живописные портреты живут своей собственной жизнью, исходят непосредственно из души художника" /Винсент Ван Гог/

Рассматриваю альбом Ван Гога с его великолепными картинами и предвкушаю снова увидеть их "живьём". Строю планы на лето (поездки/ походы в музеи), а пока бережно переворачиваю альбомные листы и вглядываюсь в знакомые изображения.

Репродукция "Портрета доктора Рея" опять привлекла моё внимание на достаточно долгое время. Я вспомнила, что всегда при виде этого портрета во мне возникало ощущение лёгкого душевного напряжения, но поразмышлять на вопрос "почему так" мне долго не приходило в голову.

Я всегда воспринимала эту жизнерадостную картину целиком со всей её ярко красочной гаммой, и пышущий здоровьем человек в синем костюме на фоне чудесных завитушек казался мне олицетворением радости выздоравливающего художника Ван Гога!

Но однажды я решила всё же поразмыслить над портретом и понять, что именно меня в нём напрягает. Вгляделась в глаза доктора Рея, не в них ли дело?

Доктор Феликс Рей был практикантом в психиатрической больнице, в которой лечился Винсент Ван Гог.
Из письма Винсента брату Тео от 2 янв.1889: "..пишу тебе несколько слов из кабинета уже знакомого тебе доктора Рея, проходящего практику при здешней лечебнице").

Ван гог больница в Арле.jpg
Винсент Ван Гог. Палата больницы в Арле.1889. Холст, масло. 74х92см.
Винтертур. Швейцария


Доктор Рей хорошо относился к художнику, и душевно одинокий Ван Гог воспринял участливое отношение врача за искренний интерес к себе, растрогался и, как все чувствительные люди, решил отблагодарить доктора за внимание. Он поделился мыслью с братом Тео, и тот стал подбирать подходящий подарок.

Из письма Винсента брату (2 января 1889): "Если тебе хочется сделать доктору Рею что-нибудь очень приятное, я научу тебя, как доставить ему удовольствие. Он слыхал о картине Рембрандта «Урок анатомии», и я обещал, что мы достанем ему гравюру с нее для его кабинета. Надеюсь также написать его портрет, как только почувствую, что у меня хватит на это сил".

А уже через две недели (17 января 1889) Винсент сообщает Тео: "я возобновил работу и уже сделал 3 этюда, а также портрет г-на Рея, который подарил ему на память".

Доктор Рей отнёсся к подарку прохладно. Он либо не узнал себя, либо не хотел подношения от пациента, либо картина ему просто не понравилась ... но подарок вежливо принял и унёс домой. Матери Рея картина тоже не понравилась, и её убрали с глаз долой на чердак.

Современники Ван Гога и искусствоведы утверждают, что Рей на портрете вышел очень похожим. Возможно, это так, но, сравнивая лицо Рея на портрете и на фотографии, лично я не вижу сходства.

доктор рей.jpg
Доктор Рей на портрете и доктор Рей на фото.(Коллаж из Интернета)


Понятно, Рею на портрете 23 года, на фото лет сорок, срок большой, и есть возрастные изменения во внешности, но оба лица всё-таки различаются по основным (базовым) признакам: форма носа, пухлость губ, линии бровей ...
Я не допускаю мысль, что на портрете изображён не доктор Рей (ведь свидетельствует сам Ван Гог), но почему доктор так равнодушно отнёсся к собственному изображению? Не узнал себя?

Известно, что в галерее Амбуаза Воллара, куда Рей продал портрет, эта картина долго считалась портретом неизвестного и называлась просто "Мужской портрет". Мне это кажется странным, ведь Феликс Рей сам привёз коллекционеру свой портрет и наверняка рассказал, как Ван Гог создавал эту картину, да и Воллар мог лично убедиться в сходстве, так почему он держал этот холст Ван Гога как "портрет неизвестного"?
Может, доктор попросил не афишировать его имя, и название "Портрет доктора Рея" картина получила лишь в наше время?

В Музее (ГМИИ) на табличке у картины чётко прописана атрибуция, значит, это точно портрет Феликса Рея. Я не спорю, но предположить ошибку так заманчиво! )))

Продолжаю о глазах ... не знаю, какие глаза были у доктора в жизни, но на портрете я вижу их холодными и равнодушными, а глаза, как известно, зеркало души! При общей радости изображения глаза доктора выражают пустоту. Может, рука художника изобразила то, чего он сам не хотел? Ведь Ван Гог говорил, что "живописные портреты ... исходят непосредственно из души художника"!
Что изошло из души художника и отразилось в портрете через "зеркало души"?

Думаю, доктор Рей не был дружественно настроен конкретно к Ван Гогу, он был для него обычным пациентом, как и другие в больнице, просто его общение с больными было профессионально-формальной учтивостью, а Ван Гог, по жизни испытывающий дефицит внимания, расслабился и принял профессиональную вежливость за особое к себе расположение.

Врачебная этика заставляла персонал больницы относиться ко всем пациентам одинаково ровно, но предположу, что доктор Рей внутри себя был равнодушен к душевным страданиям пациентов, и это отразилось в его взгляде на портрете.

Известно, что после окончания интернатуры в психиатрической больнице Феликс Рей стал специалистом по туберкулёзу, а не по душевным болезням!
В общем, я поняла, что в портрете доктора Рея меня задевало – его взгляд, не вяжущийся с общей жизнерадостностью картины.

Ван Гог доктор Рей.jpg
Винсент Ван Гог. Портрет доктора Рея. 1889. Холст, масло. 64×53 см. ГМИИ им. Пушкина, Москва


Портрет находился у Феликса Рея десять лет, он его не выбросил, а приспособил под хозяйственные нужды: портретом была загорожена дыра в стенке курятника.

В 1900 году (через 10 лет после смерти Ван Гога) художник-фовист Шарль Камуан (Камоэн) проходил в Арле военную службу. Зная, что Винсент Ван Гог работал и лечился в Арле, он решил разузнать подробности его жизни в этом городке. Расспросы и поиски привели к доктору Рею.

Узнав от Камуана, что картины бывшего пациента пользуются большим спросом, доктор Рей вспомнил, что у него тоже есть работа художника. Стали искать картину и нашли её в курятнике.

Думаю, версия о картине в курятнике правдоподобна, потому что эта байка не только гуляет по всему Интернету, но и описана на сайте ГМИИ, а там работают специалисты, которым надо верить.
Хотя верится с трудом.

Скорее портрет так и остался пылиться на чердаке в доме доктора Рея, потому что за 10 лет пребывания в курятнике от изображения на холсте мало бы что осталось. А так, картину достали, сдули пыль, смахнули паутину и повезли в Париж на продажу.

Шарль Камуан посоветовал Рею связаться с парижским коллекционером Амбуазом Волларом, которому Рей и продал "свой" портрет за 150 франков.

Воллар нажился на картине Ван Гога, продав её в берлинскую галерею Пауля Кассирера. Потом картина вернулась в Париж в галерею Эжена Дрюэ. Там её в 1908 году увидел русский собиратель французской живописи Сергей Иванович Щукин. Он купил "Портрет доктора Рея" за 4600 франков и увёз в свой московский особняк (Большой Знаменский переулок, 8).

В 1918 году коллекция С.И. Щукина была национализирована (подробнее здесь), и портрет доктора Рея сменил несколько местожительств, пока не закрепился в 1948 году в коллекции зарубежной живописи Государственного Музея изобразительных искусств имени А.С.Пушкина (ГМИИ).

Я видела эту картину в Музее, и портретный доктор Рей так же пристально и равнодушно на меня смотрел, как и в момент своего рождения в психиатрической больнице в 1889 году смотрел на художника. И этот взгляд незримо связывает меня с Ван Гогом и стирает временное пространство. Да, смотрю на картину и думаю не о каком-то докторе Рее, а о гениальном художнике в грустный период его жизни.

VG.jpg
Винсент ван Гог. "Портрет доктора Рея" на стене в Музее (ГМИИ).


Если эта картина была бы выставлена на продажу, то она могла бы стоить 70 млн. долларов. Как бы эти денежки пригодились бедному Винсенту! Его тогда не мучили бы безденежье и укоры совести из-за помощи брата и, он творил бы с безоглядной отдачей, не думая о хлебе насущном, о покупке красок и холстов ... и, может быть, не заболел бы!

Чего не может всемогущий Бог?

Читаю письма любимого Ван Гога ... не письма, а настоящее художественное произведение! Читаю и поражаюсь широте взглядов Винсента, его аналитическому уму, душевной необъятности ... великий художник и не менее великий человек!

Из письма Винсента Ван Гога брату Тео (Эттен, декабрь 1881):
"Бог – всемогущ: Он сотворил море, землю, и небо, и звезды, и луну; Он может совершить всё, всё, всё. И все-таки Он не всемогущ, ибо есть одна вещь, которой Он не может сделать. Что же не может совершить Всемогущий? Всемогущий не может оттолкнуть грешника…"

Картина Репина или Толстой пашет.

Когда смотрю на картину Репина "Пахарь", то всегда вспоминаю эпизод из фильма "Неоконченная пьеса для механического пианино". Там местные помещики собрались у генеральской вдовы Анны Петровны Войницыной, как сейчас говорят, на тусовку. Серж Войницын (Юрий Богатырёв) попросил внимания и объявил присутствующим растроганным голосом: "Господа, Софья, моя жена, пойдет завтра в деревню помогать крестьянским матерям [поить их детишек молоком из соски]. Это... это так прекрасно! Я решил... мы, мужчины, тоже должны... Я решил отдать крестьянам-косцам все свои старые костюмы до единого, и обувь".

Все замерли, замялись, не зная, как реагировать, и только Платонов (Александр Калягин) подошёл к Войницыну и рассмеялся: "Я представил себе! Хороши они будут на покосе во фраках!" И все оживились и заулыбались.

сцена.jpg
Сцена из фильма.

Не знаю, был ли чеховский Войницын толстовцем, или он озвучил природную человеческую потребность облегчить свою жизнь дармоеда, но он выразил мнение Толстого: "Самое простое и короткое правило нравственности состоит в том, чтобы заставлять служить себе других как можно меньше и служить другим как можно больше. Как можно меньше требовать от других и как можно больше давать другим".

Фильм "Неоконченная пьеса для механического пианино" замечательный, но я сейчас не о нём, а о картине Репина "Пахарь. Л.Н. Толстой на пашне". Смотрю на неё и пробую представить крестьянина-пахаря во фраке и в лакированных туфлях ... и графа Толстого представляю во фраке с развевающейся бородой (и в цилиндре для полноты образа) ... действительно, смешно!
[О картине]
На картине Толстой одет по-крестьянски: косоворотка, порты, картуз .... Это крестьяне желали бы стать господами, а граф Толстой наоборот, желал ощущать себя мужиком и для этого опрощался: одевался не по-графски, вникал в мужицкие дела, занимался крестьянским трудом и пахал (в прямом и переносном смысле), как заправский пахарь.

репин толстой на пашне. пахарь.jpg
Репин И.Е. Пахарь. Л. Н. Толстой на пашне. 1887. Картон, масло. 27 x 40 см.Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Репин вспоминал об одном таком "трудовом дне" Льва Николаевича на земле яснополянской вдовы Анисьи Копыловой: "Я был свидетелем его неутомимой, трудной работы в поле. От 1 часу дня до самых сумерек, 8 1/2 часов вечера, он неустанно проходил взад и вперед по участку вдовы, направляя соху за лошадью и таща другую, привязанную к его ременному поясу, лошадь с бороной: он запахивал, "разделывал" поле".

Пот валил с него градом; толстая, посконная рубаха, одеваемая им на полевые работы, была мокра насквозь, а он мерно продолжал <…>. Часто во время подъема на гору побледневшее лицо его с прилипшими волосами к мокрому лбу, вискам и щекам выражало крайнее напряжение и усталость, а он, поровнявшись со мной, каждый раз бросал ко мне свой приветливый, веселый взгляд и шутливое словцо.

Я попросил его, наконец, дать мне соху и попробовать попахать. Он сообщил мне необходимые правила, и я пошел. Сначала мне показалось легко, но от неумелости держать соху на равномерной глубине в земле и в то же время следить за правильностью борозды и за шагом лошади я начал спутывать линию борозды, соха то врезывалась очень глубоко, то скользила поверх, и я, собрав всю свою выдержку, едва дотянул второй подъем на гору и возвратил соху хозяину, вспотев и устав до невероятности от непривычного труда, - правда, и день был жаркий 9 августа.

Я вспомнил про свой карманный альбомчик и зарисовал графа пашущим в двух позах, ловя моменты, пока он проходил близко мимо меня.


репин толстой на пашне.jpg
Репин И. Е. Зарисовка 1.

"Меня удивляет, - говорил он [Толстой],- как это люди лишают себя самого блаженного состояния, самых счастливых часов жизни - часов полевого труда. Сознание несомненно принесенной пользы, сладкое утомление, превосходный аппетит и крепкий сон - вот награда полевому работнику».

Хм ... разница между добровольным (и редким) паханьем пашни Толстым и ежедневным подневольным трудом пахаря-крепостного крестьянина - огромная!

Толстой работал не каждый день и лишь в охоточку. Репин об этом упоминал: "идет на полевую работу, если она есть. Полевые работы не всегда бывают, и работает граф только в пользу бедных, слабых, вдов и сирот. Если полевой работы не предвидится, Л. Н. берет корзиночку и идет в лес собирать грибы, это дает ему часы уединения с природой и самим собою".

репин  толстой1.jpg
Репин И.Е. Зарисовка 2.

Вернувшись из Ясной Поляны домой, Илья Ефимович написал картину "Пахарь. Л.Н. Толстой на пашне", которую задумал литографически размножить. Заранее испросил разрешения у Толстого, но Софья Андреевна и дети усомнились в необходимости выставлять на всеобщее обозрение частную жизнь писателя, боясь, что это вызовет у него душевные переживания.

К тому же П.М. Третьяков высказался о том, что "неудобно изображать Толстого за плугом, это, мол, будет похоже на рекламу, и что-де с прежних писателей подобных картин не писали", на что Репин ответил: "А что не писали этюдов с натуры с прежних гениев - это очень жаль. Я дорого бы дал теперь за картинку из жизни Пушкина, Гоголя, Лермонтова и др."

Выслушивая различные мнения, Лев Николаевич заколебался. В письме к В.В. Стасову (26.09.1887) он написал: "Картинка вызвала бы внимание ко мне и последствия его — брань. А всё лучше без нее".

Из письма Репина: "Ваше письмо к В.В. Стасову так нас тут пристукнуло, что мы совсем не знаем, что делать. У Ильина уже много камней совсем готово. Более двух недель работало несколько лучших мастеров – он будет в большом убытке, если Вы запретите издание".

Толстой никого не хотел подводить, особенно своего друга Репина, и написал Стасову: "Во имя этих пустяков я как будто огорчил Репина, которого я так же высоко ценю, как и вы, и сердечно люблю. Поэтому будьте добры, передайте ему, что я отказываюсь от своего отказа".

репин литография толстой на пашне.jpg

Литографические отпечатки с картины Репина были размножены в многочисленных копиях.

Из письма Н.Н. Страхова к Л.Н. Толстому (5 ноября 1887 г): "Дело совершенно просто. То, что вы пашете – это знают и в России, и в Европе, и в Америке. Что Репин вздумал вас так написать – дело самое естественное; что же иное делать живописцу. И мог ли он выбрать что-нибудь лучше?"

Толстой объяснял почему занимается физическим трудом:
"Моя твердая уверенность, что то, что я делаю, не бесполезно не вредно, но есть добро для других, – эта уверенность есть главное условие моего счастья. И это-то именно и заставляет нравственного и искреннего человека невольно предпочитать научной, артистической работе ручной труд".

Сын Толстого Илья Львович вспоминал: "все же чувствовался резкий диссонанс между нашей жизнью, крокетом, гостями и постоянными развлечениями и напряженной работой отца, распределенной на упряжки, в кабинете и в поле, за письменным столом и за сохой".

Картина Репина "Толстой на пашне" совсем небольшая - 27 x 40 см, но Репин и на таком кусочке картона смог передать упоение Толстого тяжёлым физическим трудом.

Постепенно Толстой "заразил" своим отношением к крестьянскому труду многих в своём окружении.

Илья Львович Толстой об этом вспоминал: "Конечно, далеко не все работающие разделяли убеждения отца и относились к труду идейно, но в то лето жизнь сложилась так, что работа завлекла всю нашу компанию и заинтересовала всех.

Почему, вместо того чтобы кататься верхом, играть и веселиться, косил шестнадцатилетний француз Alcide и другие, не придававшие труду никакого нравственного значения?

Единственное объяснение, которое я нахожу этой психологической загадке, - это та заразительная искренность, которая лежала в основе характера моего отца и которая не могла в той или иной форме не увлекать других, близко к нему прикасавшихся людей".

репин толстой на пашнефрагмент.jpg
Фрагмент картины


Из воспоминаний И.Л Толстого об отце: "Вот скоро я умру, - с грустью предсказывал он, - и будут люди говорить, что Толстой учил пахать землю, косить и шить сапоги, - а то главное, что я всю жизнь силюсь сказать, во что я верю и что важнее всего,- это они забудут".

Единственное цветное фото Л.Н. Толстого.

23 марта 1908 года Сергей Михайлович Прокудин-Горский (1863-1944) попросил разрешения у Л.Н. Толстого приехать в Ясную Поляну ("на один или два дня (имея в виду состояние Вашего здоровья и погоду"), чтобы сделать цветные фотопортреты самого Толстого, его супруги Софьи Андреевны и окрестных пейзажей.

Толстой ответил согласием, и 23 мая (5 июня по новому стилю) 1908 года Прокудин-Горский приехал в Ясную Поляну. Он провел в усадьбе три дня и создал не менее 16 фотографий. Самым известным стало фотоизображение Л.Н. Толстого, которое "является единственным портретом, сфотографированным в красках непосредственно с натуры".

Съемка была сделана за один раз. Кассету с пластинами Прокудин-Горский собственноручно доставил в Москву. Там из кассеты вынули пластины и, тщательно упаковав, увезли в Петербург, где было произведено их проявление.

прокудин-горский толстой.jpg
С.М.Прокудин-Горский. Л.Н. Толстой. 1908 г. Ясная Поляна. Государственный музей Л.Н. Толстого. Архив рукописей. Портрет воспроизведен с литографского оттиска.


Из пояснения Прокудина-Горского: "Вследствие крайне невыгодного положения местности для фотографирования, оно было сделано в саду, в тени, падающей от дома, причем задний план был ярко освещен солнцем. Фотографирование произведено в пять с половиною часов вечера, тотчас после верховой прогулки Льва Николаевича. Супруга Льва Николаевича, София Андреевна принимала со своей стороны все меры, дабы способствовать успеху этой работы, за что приношу ей искреннее спасибо".

Впервые фотопортрет был опубликован в августовском выпуске "Записок Императорского Русского Технического общества". "В печати портрет воспроизведен без всяких поправок и прикрас, чтобы сохранить всю ценность подлинности воспроизведения".

В дальнейшем фотопортрет Л.Н. Толстого неоднократно воспроизводился. Время от времени появлялся и в советской литературе, имя автора снимка не указывалось, и оно было забыто на долгие годы.

Местонахождение негатива этой фотографии до сих пор неизвестно. Предположительно он сначала находился в петербургском Пушкинском доме, затем был передан в Москву в музей Л.Н.Толстого.

В Пушкинском доме есть черно-белый диапозитив фотографии, выполненный самим Прокудиным-Горским.
В коллекции библиотеки Конгресса США есть черно-белая копия фотографии.